《惊魂记》斩获五项国际大奖
徽剧何以打动世界观众？
阿尔及利亚文化艺术部长玛莉卡·本杜达为剧组颁发最佳剧目奖。
徽剧《惊魂记》剧照。
近日，在阿尔及利亚举行的第二届撒哈拉国际戏剧节上，安徽省徽京剧院徽剧《惊魂记》获得最佳剧目、最佳男主角、最佳女主角、最佳舞美、最佳导演五项大奖。
这部以中国戏曲方式改编莎士比亚《麦克白》的作品，在来自30个国家和地区的参演剧目中脱颖而出。
对外界而言，这是一次亮眼的国际奖项。在该剧主演、也是安徽省徽京剧院艺术总监、中国戏剧梅花奖得主汪育殊眼里，最重要的并不是领奖时刻，而是一次成功的探索：中国戏曲在国际舞台上，究竟如何被看懂。
碰撞与共生 西方经典故事的中式演绎
《惊魂记》并不是一部“看起来像戏曲”的西方故事。从创作之初，它就被放进了徽剧自身的叙事体系中。
汪育殊记得，最初讨论这个选题时，团队反复探讨一个问题：如果不用西方戏剧的结构来讲《麦克白》，这出戏还能不能成立？
答案的探寻之旅，从舞台开始。
在《惊魂记》中，人物命运的推进不依赖心理独白，而是通过唱腔层次变化与锣鼓点的节奏来呈现。
权力的诱惑，被处理成快节奏的鼓点；人物内心的犹疑与失控，则通过身段的反复、回旋和突然收紧来呈现。舞台上没有写实的城堡，也没有具象的刀剑，但人物关系始终清晰，情绪推进从未中断。
“我们不是用戏曲去解释《麦克白》，而是用戏曲重新讲了一遍这个故事。”汪育殊说。
这种处理方式，让东方美学成为叙事本身的一部分。翎子的抖动，水袖的起落，不只是美感展示，而是情绪的外化；锣鼓的强弱变化，也不只是音乐铺垫，而是推动剧情向前的动力。
在阿德拉尔市剧场，汪育殊站在舞台上，能清晰感受到这种“被接住”的过程。演出初段，观众更多是在观察；随着剧情展开，观众注意力开始集中，台下的反应也随之发生变化。
“你能感觉到，他们开始跟着戏走了。”他说，不是让观众理解戏曲的专业门道，而是先让观众进入故事本身。
对汪育殊而言，《惊魂记》是中国戏曲演绎西方经典的成功尝试。不是形式上的融合，而是用自身的艺术语汇，去触及人类共通的悲欢。
从好奇到安静 中国戏曲被接受和理解
阿德拉尔市的这座剧场，并不是一个展示中国戏曲的空间。
台下坐着的，多是第一次现场观看戏曲的观众，对唱腔、身段、水袖都谈不上熟悉。演出开始时，观众更多是在观察，判断这是一种怎样的艺术。
汪育殊对此并不意外。“第一反应一定是好奇。”他说，“这是很正常的状态。”
真正的变化，发生在演出进行到中段之后。随着剧情展开，舞台节奏逐渐建立，锣鼓的推进与唱腔的起伏形成稳定的叙事结构，台下的状态开始发生转变。观众不再频繁移动视线，身体前倾的幅度也逐渐一致，剧场里慢慢安静下来。
他记得很清楚，谢幕前有一段短暂的停顿。人物定格，灯光未落，掌声却没有立刻响起。那几秒钟里，剧场几乎听不到其他声响。
随后的掌声持续了很久。对汪育殊而言，这种延迟出现的掌声，比即时的热烈反应更有说服力，它意味着观众不是被形式刺激，而是跟随情绪完成了一次完整的观看。
这种“被接住”的感觉，在颁奖仪式上得到了进一步印证。当阿尔及利亚文化与艺术部长在评价《惊魂记》时提到“中国戏曲为经典提供了另一种诠释的可能”，这句话被剧组反复提起。
“她表达的，不是‘好看’，而是一种‘可能性’。”汪育殊说，“这对我们来说很重要。”
如果说竞赛演出让剧组看到了中国戏曲在异国舞台上的接受度，那么随后的交流活动，则让这种接受变得更加具体。
在阿德拉尔期间，剧组加演了《盗仙草》《断桥》等折子戏。没有完整的故事结构，更多是唱念做打的集中呈现。演出结束后，不少观众主动走到台前，询问水袖如何表达情绪、锣鼓点如何配合剧情推进。
“一位观众跟我说，中国戏曲的每一个动作都像在讲故事。”汪育殊回忆，“这句话让我很受触动。”
在他看来，这种反馈意味着，对方已经不再把戏曲当作一种“奇观”，而是开始尝试用戏曲自身的逻辑去理解表演。交流中，语言并不总是顺畅，但通过示范、动作和节奏，沟通依然在发生。
“那种交流是平等的。”他说，“不是我在讲，他们在听，而是大家在一起找理解的方式。”
随后，剧组移师阿尔及尔，在阿尔及尔国家剧院完成《惊魂记》专场演出。中国驻阿尔及利亚大使董广利到场观看并致辞，来自多国的外交人员、文化界人士以及中资企业员工、华侨华人共同观演。
不同舞台、不同观众，让汪育殊更加清晰地意识到：当中国戏曲不急于被解释，而是完整地呈现自身时，反而更容易被理解。
克制与取舍 让作品保住艺术的重心
在撒哈拉国际戏剧节的评奖结果公布之前，剧组内部并没有过多讨论“能拿几个奖”。更现实的问题是：这出戏在完全陌生的文化环境中，是否真的站得住。
在汪育殊看来，恰恰是克制与取舍，让作品保住了艺术重心。唱念做打是叙事的核心，水袖和身段不是装饰，而是推动人物命运的手段。即便面对并不熟悉戏曲程式的观众，作品依然选择完整呈现，而不是拆解、简化。
这一点，在国际戏剧节的评审反馈中得到了印证。评委的关注点，并不集中在“文化差异”本身，而更多落在作品是否形成了独立、稳定的舞台语言。《惊魂记》所呈现的，并不是对《麦克白》的复刻，而是一种清晰而自洽的再创造。
这种方法，也让他对中国戏曲演绎世界名著有了更明确的判断。在他看来，世界名著并不是被用来“借光”的题材，而是一种天然的公共语境，观众对故事结构和人物关系已有基本认知，这反而为戏曲的表达提供了空间。
“当观众不需要再费力理解‘发生了什么’，就更容易去感受‘怎么演’。”汪育殊说，“当这一点成立，戏曲的边界反而被打开了。”
坚守与创新 将继续用中国戏曲演绎世界名著
行程结束后，生活重新回到熟悉的节奏。
从撒哈拉沙漠腹地的剧场，到合肥的排练厅，空间切换得很快，观众的反馈却似曾相识。
“看着台下的老戏迷跟着哼唱，年轻观众举着手机记录，我会不自觉地想起在阿德拉尔看到的那些眼神。”他说，“那种被专注注视的状态，其实是相通的。”
在他看来，国际舞台上的认可，并不是对本土创作的替代，而更像是一面镜子，让创作者重新审视自己是否真正站得住。简而言之，角色是否真实，唱腔是否耐听，舞台是否有温度。“如果在家门口都站不住，那走多远都没有意义。”他说。
正因如此，他也多次提到今年重点推出的戏曲主题活动“百戏入皖・星耀合肥”。在他看来，这并不只是一次剧目引进或演出交流，而是一种更深层次的“内部连通”。
“不同剧种在同一个城市、同一个舞台上交流，本身就是一种互相照见。”他说，“你会看到别人的长处，也会更清楚自己要守住什么。”
这种交流，对徽剧而言尤为重要。作为地方剧种，它既需要坚守自身的艺术气质，也需要不断更新表达方式。《惊魂记》的创作经验，让他更加笃定：创新并不意味着脱离传统，而是在理解传统的前提下，找到更有力量的呈现。
在传播路径上，他同样保持克制。相比“走得多远”，他更看重“走得是否扎实”。
未来，他希望能争取更多国际戏剧节和文化交流平台的机会。“如果条件成熟，也希望推动更多中国戏曲剧种，与世界戏剧展开对话。”
深一度融媒体工作室
合肥晚报-合新闻 记者 王书浒
（图片由受访者提供）
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